Den traditionsrige udstillingsserie Ung dansk fotografi på Fotografisk Center i København er i år kurateret af Bruun Rasmussens specialist i fotografi Christine Almlund. Fem unge udvalgte kunstnere har taget fotografisk livtag med temaet identitet, og resultatet kan ses fra fredag den 2. november i Kødbyen i København. Herunder kan du læse udstillingsartiklen fra kataloget til Ung dansk fotografi ’18.

Som forsinkede stråler fra stjernerne

Memorabilia og personlige fortællinger om at være menneske. 

af Christine Almlund

(Long read – English translation below)

”Det er ganske sandt, hvad Philosophien siger, at Livet maa forstaaes baglænds. Men derover glemmer man den anden Sætning, at det maa leves forlænds. Hvilken Sætning, jo meer den gjennemtænkes, netop ender med, at Livet i Timeligheden aldrig ret bliver forstaaeligt, netop fordi jeg intet Øieblik kan faae fuldelig Ro til at indtage Stillingen: baglænds.” Søren Kierkegaard.

Ung dansk fotografi ’18 tager afsæt i temaet ‘identitet’. Altså hvad det vil sige at være menneske, og hvordan du selv, din familie og andre ser, opfatter og forstår dig i bestemte kulturelle situationer og samfundsmæssige kontekster. Et næsten uoverskueligt stort tema, der kan angribes fra utallige vinkler. For at få form på den kæmpestore identitetstematik, har vi på årets Ung dansk fotografi valgt at gå ad en sti, hvor den personlige fortælling, det narrative perspektiv, erindringer og det arkiviske står stærkt.

Firkantet sagt er identitet summen af vores erindringer opsamlet over tid. Og til den ‘opsamling’ har fotografiet vist sig at være særligt slidstærkt. Blandt andet fordi det for de fleste af os har et særligt bånd til virkeligheden. Fotografier er noget, vi bruger, når vi skal lære vores egen og vores næres historie at kende. De bidrager løbende til vores identitetsdannelse: Vores egen livsfortælling såvel som vores plads i den store historie og den kulturelle fortælling, man nu engang er en del af. Selv i dag, hvor digitalfotografi, instagramfiltre og virtual reality giver uendelige muligheder for at manipulere og snyde med billeder, så fotografiets bånd til virkeligheden udfordres, er fotografiet stadig for de fleste forbundet med en særlig troværdighed. Familiealbummet er f.eks for mange af os – ligesom klassebilleder og rejsefotos – med til at cementere vores flygtige erindringer, det vi har oplevet, tiden der går, og det vi kommer fra. Fotografiet kan bevidne vores liv og historie, og det kan bidrage til vores identitetsforståelse, altså fortællingen om os selv og andre. Det fænomen er i hvert fald i spil – på forskellig vis – for alle kunstnerne på Ung dansk fotografi ’18.

”Referenten klæber”, skrev den franske kritiker og f ilosof Roland Barthes om fotografiet i sit berømte essay Det lyse kammer i 1980 med henvisning til fotografiets særlige bånd til virkeligheden (Barthes, 1980, s.15). I essayet beskriver han sin undren over, hvad det er fotografiet kan, som andre kunstarter ikke kan. Filosoffen f inder gamle familiealbums frem med billeder af sin nyligt afdøde mor og konkluderer, at fotografiet er den eneste kunstart, der med sikkerhed viser ”det-der-har-været”. Han bevæger sig helt ned på molekylært niveau og sammenhængen mellem lysets stråler og den kemiske fremkaldelsesproces, for at understrege sin pointe. ”Fra en virkelig krop, der var dér, er der udgået stråler, som kommer og berører mig, som er her”, skriver han. ”Fotoet af det forsvundne væsen kommer og berører mig som de forsinkede stråler fra en stjerne. En slags navlestreng forbinder den fotograferede tings krop med mit blik” (Barthes, 1980. s. 99). Fotografiet er grundlæggende paradoksalt, fordi det fraværende gøres nærværende.

For de fleste af de fem kunstnere på Ung dansk fotografi ’18 er navlestrengen i deres fotografiske projekt tydelig, og den personlige historie et kardinalpunkt. For en enkelt kunstner Dan Frisk Petersens vedkommende, har værket ikke et personligt afsæt, men alle fem udnytter foto grafiets evne til at fastholde tiden, minderne og erindringerne – de forsinkede stråler fra stjernerne – som en metode til at forstå os selv og hinanden. Fotografiet giver en eminent mulighed for at forstå livet baglæns.

astronaut

Den islandsk fødte kunstner Maria Kristin Hassing Antonsdóttirs (f. 1990) projekt, Untitled Family Album, består af en serie fotografiske collager og bemalede fotografier skabt af sort/hvide familiefotos fra hendes oldefars og senere hendes farmors gård i Island i 1940’erne til 1960’erne. De kasserede fotografier med legende børn og familieliv flettes sammen af sommerblomster og hestehår fra Island. De syes til nye fortællinger og narrative fragmenter – med María Kristín H. Antonsdóttirs eget hår. Savnet til den islandske natur, samhørigheden med familien og deres fælles historie væver sig ind og ud af fotografiernes oftest uskarpe, sort/hvide fortællinger fra en svunden tid. Kunstneren har manipuleret med billederne – men ikke digitalt. Hun har klippet i dem, krattet ned under fotografiets øverste ”fernis” og malet dem over. En fysisk manøvre – som for at komme under huden på fortiden og familiens fælles hukommelse. Der er både de klassiske opstillingsbilleder af børnene i stiveste puds foran hoveddøren, men nu overtegnet og anonymiseret af kunstneren, fuzzy-bløde erindringsbilleder af børn i en vild, flygtig leg i græsset og en lag-på-lag-collage, hvor familiemedlemmernes ansigter er klippet ud, mens María Kristín Hassing Antonsdóttirs eget ansigt skimtes nederst. Billederne er oprindeligt fotograferet med et kamera, som engang blev efterladt af en engelsk gæst på gården som tak for overnatning. Siden blev kameraet brugt af oldefaren og overleveret til farmoren, hvis billeder i dag er indsyet i deres olde- og barnebarns egne erindringer og en vigtig del af hendes identitetsfortælling.

Julia Jayko Fossland: Går kun veje jeg kan gå med lukkede øjne 3. 2018.

Norsk fødte Julia Jayko Fosslands (f. 1992) fotografiske bøger og fotoserie Går kun veje, jeg kan gå, med lukkede øjne er udsprunget af et fotobogprojekt, der blev vist på Fatamorganas afgangsudstilling i sommer. En personlig, poetisk fortælling i fotografier og digte om relationer, tab og om at vende hjem til der, hvor man kommer fra. På Ung dansk fotografi ’18 er seks af værkerne hevet ud af bogens narrativ og sat op på væggen, hvor de udgør en serie analoge fotografier af den norske natur omkring Fosslands families hytte ved hjemstavnen Røros ved Trondheim. Fodspor i sneen, solens glimt i hvirvlende sne, en fremstrakt kop kaffe og mørket i skoven. At vende tilbage til der hvor man kommer fra, der hvor naturen er lige så vigtig en del af ens selvfortælling, og hvor ens nære relationer står centralt. Relationer og familieminder, der knytter sig til stedet, beskrives poetisk i tekst universet i de medfølgende bøger. Overfor serien af analoge fotografier hænger et andet fotografi, der ”reflekterer” de analoge værker. I ”spejlbilledet” har Fossland tilført et af de analoge værker et ekstra lag. Her er konturerne af det originale fotografi blevet farvemanipuleret og forskubbet. Som legen med kalkerpapir, tekst og poesilag i Julia Jayko Fosslands fotobøger, åbner det lagdelte og manipulerede billede muligheder for nye refleksioner, fortællinger og erindringslag.

Johansen_Lisbeth_053

Lisbeth Johansens (f. 1973) projekt The Picture of the Yellow Sun (I couldn’t keep) er en form for fotografisk detektivproces, hvor fotografierne fungerer som spor, der dokumenterer og fastholder erindringer samtidig med, at de udstiller et smerteligt fravær. Kunstnerens far var paranoid skizofren, og gennem fotografier og bogværk forsøger Lisbeth Johansen at rekonstruere sine minder om faren. Når de to var sammen, bød verden på fantasifulde eventyr og kreative lege, der rummede en særlig magi. Men humøret skiftede altid. Og i perioder var de meget alene sammen, fordi moren skulle tage sig af en kronisk syg lillesøster. Det var altid forbundet med stor utryghed og angst at være tæt på faren. Helt konkret knytter projektet sig til en rekonstruktion af et smukt maleri, faren havde malet, men som kunstneren smed væk efter farens død pga. deres smertefulde relation – et billede af en nedgående sol. År senere har hun – som en slags erindringsdetektiv – forsøgt at genkalde sig erindringerne om ham og hans kunst gennem en række spor: Billeder fra barndommen, egne fotografier fra farens sidste tid samt billeder af bagsiden af et andet af hans malerier og nyere stemningsbilleder, der for kunstneren følelsesmæssigt er forbundet med tiden sammen med faren. Resultatet er en visuel fabel bygget op af fragmenter, der afsøger fraværet og længes efter nærværet – nogle steder endda i noget så uhåndgribeligt som stemninger og memorabilia, der har været i hans nærhed, f.eks en hæklet dug eller lyset gennem et gardin.

Hulda_Sif-6

At det er udfordrende at leve med og være pårørende til en sindslidende, fornemmes også tydeligt i den islandske dokumentarfotograf Hulda Sif Ásmundsdóttirs (f. 1981) Even the Calm is Stormy. Hun har levet tæt på psykisk sygdom hele sit liv, da både hendes far og søster er bipolare, det man i gamle dage kaldte manio-depressive. I Even the Calm is Stormy har hun fulgt sin bipolare søster under hendes graviditet. En glædelig situation, der er forbundet med stor bekymring på grund af hendes sindslidelse – allerhelst skal hverdagen være ”like a mellow Wednesday”, men det er sjældent. Fotografier og bogværk beskriver i en række portrætter søsteren i den truende hverdag, hvor hun pga. graviditeten ikke længere må tage sin medicin, iscenesatte fotografier af søsteren i mani og depression, billeder af den nære familie samt fotografier af det kontrollerede miljø på psykiatrisk afdeling og ikke mindst den utæmmede islandske naturs vilde vejrskift – der lige som søsterens indre går fra snestorm til solstrejf på et splitsekund. Med poesi og kærlighed dokumenteres den bipolare, gravide søsters hverdagsudfordringer. Og i høj grad også fotografens egen underliggende omsorg og bekymring. Billeder og bogværk er Hulda Sif Asmundsdottirs afgangsprojekt fra dokumentarlinjen på Royal Academy of Art i Haag.

Dan-Arkiv-Grit001

I kunstneren Dan Frisk Petersens (f. 1988) stærkt arkiviske, nærmest arkæologiske, værk Memorabilia møder vi igen og igen en ældre gråhåret kvinde, der spejder ud over et stykke storslået natur. Som Caspar David Friedrichs Der Wanderer über dem Nebelmeer (Vandreren over Tågehavet) fra 1818 står hun på skift foran marker, bjerge, skove og floder og giver beskueren mulighed for at kigge med. Altid er hun iført praktiske sko og jakker, der kan klare blæst og regn. Men hvem er denne berejste dame? Og hvorfor står hun altid i samme skuende position? Memorabilia er skabt ud af en ganske enestående samling af tre hvide arkivkasser med diasbilleder fundet i et privat dødsbo i Sønderjylland. Arkivkasserne indeholdt udelukkende naturfotografier af træer, sten, bjerge, skove og vandløb. Og så rækken af opstillede fotografier af kvinden med ryggen til. Samlingen stiller ikke bare spørgsmål til kvindens identitet, men også til manden bag kameraet. Hvis det var en mand? Eller er det kvinden selv, der har fotograferet med selvudløser? Den helt igennem indeksikale tilgang, ikke bare til naturdokumentationen, men også til det klassiske rejsefotografi gør ikke gåden mindre – tilgangen og måske fotografiet i sig selv har tydeligvis været definerende for den måde, hun/de har oplevet verden på. Det pudsige er, at kombinationen af det anonyme ophav, den stærkt videnskabelige, dokumenterende tilgang til rejsefotografiet og referencen til et af romantikkens største kunstværker, efterlader så mange huller i forståelsen, at det er svært at modstå behovet for at fylde hullerne og selv digte videre på historien om den naturglade kvinde og fotografen bag.

I dag er der uendelige muligheder for at iscenesætte sig selv og definere sin egen identitet gennem det fotografiske medie. Men som kunstnerne på vores udstilling viser, er navlestrengen mellem billede og virkelighed ikke endegyldigt klippet over. Fotografiet rummer stadig muligheden for at ”standse tiden”, at se tilbage og undersøge sine livsvalg, ophav og vilkår. At prøve at forstå livet baglæns – som en grundlæggende præmis for også at kunne leve videre forlæns. Som Kierkegaard pointerer i indledningscitatet, så er livet i evig bevægelse, hvilket hele tiden udfordrer refleksionen og fortællingen om os selv.

Udstillingen løber fra 3. november til 21. december 2018 på Fotografisk Center, Staldgade 16, 1699 København V.

Dan-Arkiv2.jpg

Like the delayed rays of the stars

Memorabilia and personal narratives about being human. 

by Christine Almlund

“It is quite true, as philosophy tells us, that life must be understood backwards. But beyond this one forgets the next sentence – that it must be lived forwards. That sentence, the more one thinks it through, ends precisely by saying that life in temporality never fully becomes comprehensible, for this very reason: there is no moment when I can be in the state of complete calm where I can adopt the position: back wards’” – Søren Kierkegaard.

Young Danish Photography ‘18 takes its point of departure in the theme of ‘identity’. That is, what it means to be human and how you yourself, your family and others see, perceive and understand you in specific cultural situations and social contexts; an almost unmanageably huge theme that can be attacked from innumerable angles. To get a firm grasp of this systemization of identity, we have chosen in this year’s Young Danish Photography exhibition to follow a path where the personal story, the narrative per spective, memory and the archival have a strong presence.

Put simplistically, identity is the sum of our memories gathered over time. And for this ‘gathering’ photography has proved a particularly enduring tool; among other reasons because for most of us it offers a special bond with reality. Photographs are things we use when we have to get to know the story of ourselves and those close to us. They make an ongoing contribu tion to the formation of our identity: our own life-narrative as well as our place in the big history and cultural narrative of which we happen to be a part of. Even today, when digital photography, Instagram filters and virtual reality offer endless possibilities to manipulate and fake pictures – thus in fact challenging photography’s bond with reality – most people still asso ci ate the photograph with a particular kind of credibility. For many of us the family album, for example, like the school class picture and holiday photos, helps to consolidate what we have experienced, our transient memories, the passage of time, and where we come from. The photograph can bear witness to our life and history, and it can contribute to our understanding of identity – that is, the narrative of ourselves and others. This phenomenon is at any rate in play – in a variety of ways – for all the artists in Young Danish Photography ‘18.

“The referent adheres”, wrote the French critic and philosopher, Roland Barthes about photography in his famous essay Camera Lucida in 1980 with reference to the photograph’s special bond with reality. In the essay he describes his wonder over what the photograph can do that other arts cannot. The philosopher looks at old family albums with pictures of his recently deceased mother and concludes that photography is the only art which shows with certainty “what has been”. He moves all the way down to the molecular level and the connection between rays of light and the chemi cal development process to underscore his point. “From a real body that was there, rays have been emitted which come and touch me, who is here,” he writes. “The photograph of the missing being comes and touches me like the delayed rays from a star. A kind of umbilical cord links the body of the photographed thing to my gaze”. The photograph is fundamentally paradoxical because the absent is made present.

For most of the five artists in Young Danish Photography ’18, the umbilical cord in their photographic projects is clear, and the personal story is a crucial feature. In the case of one artist, Dan Frisk Petersen, the work has no personal starting point, but all five make use of the ability of the photograph to capture time, memories and recollections – the delayed rays of stars – as a method of understanding ourselves and one another. The photograph offers an outstanding opportunity to understand life back wards.

The project of the Icelandic-born artist María Kristín Hassing Antonsdóttir(b. 1990), Untitled Family Album consists of a series of photo graphic collages and hand-coloured photographs created from black-and-white family photos from the farm of her great grandfather and later her grandmother in Iceland from the 1940s to the 1960s. The discarded photographs of children playing and family life are interlaced with summer flowers and horsehair from Iceland. They are sewn together into new narratives and narrative fragments – with María Kristín Hassing Antonsdóttir’s own hair. The sense of missing the Icelandic landscape, of belong ing to the family and their shared history is woven in and out of the photo graphs’ usually indistinct black-and-white narratives from a bygone time. The artist has manipulated the pictures – but not digitally. She has made cuts in them, scratched below the surface ‘varnish’ of the photographs and painted over them. A physical manoeuvre – as if trying to get beneath the skin of the past and the shared memory of the family. There are both the classic posed pictures of the children dressed up in their Sunday best in front of the street door, but now drawn-over and anonymized by the artist, fuzzy-soft memory images of children in a wild, fleeting game in the grass, and a layer-upon-layer collage where the faces of the family members have been cut out, while Maria Kristin Hassing Antonsdottir’s own face can be glimpsed at the bottom. The pictures were originally photographed with a camera which was once left behind by an English guest at the farm as thanks for being allowed to spend the night there. Later the camera was used by the great grandfather and handed down to the grandmother, whose pictures are today sewn into their great grandchild’s and grand child’s own memories and are now an important part of her identity narrative.

The photographic books of Norwegian-born Julia Jayko Fossland (b. 1992) and her photo series I only walk the paths I can walk with closed eyes originated in a photo book project that was shown at Fatamorgana’s graduation show this summer. A personal, poetic narrative in photo graphs and poems about relations, loss and returning home to where one comes from. In the exhibition, six of the works have been taken out of the narrative of the book and mounted on the wall, where they make up a strong series of analog photographs of the Norwegian landscape around the Fossland family’s cottage in their home region Røros near Trondheim. Footprints in the snow, the glint of the sun in whirling snow, a cup of coffee held out, and the darkness in the forest: the returning to where one came from, where nature is just as important a part of one’s self-narrative as the close relations who play a central role. Relations and family memories associated with the place are described poetically in the textual universe of the accompanying books. Opposite the series of analog photographs hangs another photograph which ‘reflects’ the analog works. In the ‘reflection’ Fossland has given one of the analog works an extra layer. Here the contours of the original photograph have had their colours mani pu lated and displaced. Like the playing with tracing paper, text and layers of poetry in Julia Jayko Fossland’s photo books, the layered and manipulated picture opens up avenues for new reflections, narratives and layers of memory.

Lisbeth Johansen’s (b. 1973) project The Picture of the Yellow Sun (I couldn’t keep) is a kind of photographic detective work where the photographs function as clues that document and capture memories while at the same time exhibiting a painful absence. The artist’s father was paranoid schizophrenic, and through the photographs and the book Lisbeth Johansen attempts to reconstruct her memories of him. When the two were together, the world offered imaginative adventures and creative games that held a special magic. But the mood was always changing. And in some periods they were alone together a lot, because her mother had to take care of a chronically ill younger sister. For that reason it was always a source of great insecurity and anxiety to be close to her father. Quite speci fically, the project is related to a reconstruction of a beautiful painting – an image of a setting sun – painted by her father, which Lisbeth threw out after his death because of their painful relationship. Years later – like a kind of memory detective – she tried to recall the memo ries of him and his art again by way of a number of clues: pictures from her childhood, her own photographs from the end of her father’s life, and pictures of the back of another of his paintings and more recent mood-pictures which for the artist are emotionally associated to the time together with her father. The result is a visual fable built up of fragments that explore an absence and a longing for presence – at some points even through things as vague as memorabilia and phenomena that had been in close proximity to him, for example a crocheted tablecloth or the light shining through a curtain.

That it is challenging to live with and to be related to a mentally ill person can also be sensed clearly in Even the Calm is Stormy by the Icelandic documentary photographer Hulda Sif Ásmundsdóttir (b. 1981). She has lived close to mental illness all her life, since her father and sister are bipolar – what in the old days was called manic-depressive. In Even the Calm is Stormy she has followed her bipolar sister during her pregnancy; a happy situation that is also associated with great concern because of her illness – everyday life should preferably be “like a mellow Wednesday”, but that is rare. In a number of portraits the photographs and book describe her sister in the threatening everyday situations, where she can no longer take her medicine due to her pregnancy, with staged photographs of the sister’s manic episodes and depressions, images of the close family as well as photographs of the controlled environ ment of the psychiatric ward and not least the wild varia tions in the untamed Icelandic weather – which like the inner life of her sister go from snowstorm to sunshine in a split second. With poetry and love she documents her bipolar, pregnant sister’s everyday challenges; and to a great extent also the photographer’s own under lying care and concern. The pictures and the book are Hulda Sif Ásmundsdóttir’s gradu ation project from the documentary line at the Royal Academy of Art in The Hague.

Again and again in the strongly archival, almost archaeological work Memorabilia by the artist Dan Frisk Petersen (b. 1988) we meet an elderly grey-haired woman looking out over a magnificent landscape. As in Caspar David Friedrich’s Der Wanderer über dem Nebelmeer from 1818, she stands in turn before fields, mountains, forests and rivers and gives the viewer the opportunity to look with her. She is always dressed in practical shoes and jackets that can withstand wind and rain. But who is this well-travelled lady? And why does she always stand in the same gazing position? Memorabilia has been created from a quite unique collection of three white boxes of slides found in the private estate of a deceased person in Southern Jutland. The boxes exclusively contained nature photographs of trees, rocks, mountains, forests and waterways. And then the sequence of posed photographs of the woman with her back towards us. The collection evokes questions not only about the woman’s identity, but also about the man behind the camera. If it was a man? Or was it the woman herself who photographed with a timer? The thoroughly indexical approach, not only to the documentation of nature, but to the classic travel photograph, makes it no less of an enigma – it has clearly been a defining factor for the way she/they experienced the world. The curious thing is that the combination of the anonymous origin, the highly scientific, documenting approach to the travel photograph and the reference to one of Romanticism’s greatest works of art leaves so many gaps in our understanding that it is hard to resist the urge to fill in these gaps and elaborate on the story of this woman with her fondness for nature and the photographer behind it all.

Today there are endless opportunities to stage oneself and define one’s own identity through the photographic medium. But as the artists in our exhibition show, the umbilical cord between image and reality has not been definitively severed. The photograph still involves the possibility of “stopping time”, of looking back, of examining one’s choices in life, one’s origins and one’s circumstances – of trying to understand life backwards – as a fundamental starting point for also being able to live life forwards. As Kierkegaard points out in the introductory quote, life is in constant motion, constantly challenging reflection and the narrative of ourselves.

The exhibition Young Danish Photography ’18 takes place from 3 November til 21 December 2018 at Fotografisk Center, Staldgade 16, 1699 Copenhagen V.

Posted by:Christine Almlund